9 delle opere peggiori in assoluto del 2018, scelte dallo Staff di artnet News

La macchina dei sogni.
La macchina dei sogni. Foto di Ben Davis.

A volte noi professionisti dell’arte ci imbattiamo in un’opera d’arte così profonda, così emozionante, così vecchia moda bella che indugia affettuosamente nella memoria per gli anni a venire. Altre volte, guardiamo qualcosa e pensiamo, ” Whoa Whoa che puzza.”Tipo, alla grande. Per gli scrittori, questo è come un dono dal cielo, perché non si può davvero scrivere una prosa divertente, pungente, acidula sulla buona arte, e questo è divertente. Qui, leggere una serie di artnet News di solito felice-go-lucky personale sfogo circa i duds floppiest del 2018.

La macchina dei sogni, Brooklyn

Una recensione di taglio!

Una recensione di taglio!

Ho già recensito questa attrazione zoppicante di Brooklyn a metà anno, quindi forse sto battendo un cavallo morto-o una trappola Instagram morta, per essere precisi. (Questo ottobre è stato rimarchiato come Nightmare Machine, una casa infestata Instagrammable). Ma solo per essere chiari: non è che odio la tendenza dell’ambiente Instagram che è sorta ovunque. Ho fatto un giro attraverso la Color Factory di SoHo e l’ho trovato relativamente ben fatto, anche creativo; in generale, mi spingerei fino a sostenere che dovremmo fare un lavoro migliore nel prendere sul serio questa mania per ciò che rappresenta socialmente. Non credo che la Macchina dei Sogni si sia presa molto sul serio. Ha pagato solo il servizio più sottile al proprio tema “sogno” a favore del riciclaggio di un sacco di idee che sono già diventati cliché in altri ambienti trappola Instagram (pozzi palla! camere specchio! caramelle gratis!), che serve come promemoria Instgrammable di quanto cinica e faticosa questa tendenza può, e sarà, ottenere prima che la novità si esaurisca.

—Ben Davis

Bruce Naumann, Cammina con Contrapposto (1968) al MoMA PS1

Ho capito. Ho capito. È un lavoro concettuale che riflette la convinzione dell’artista che qualunque cosa abbia deciso di fare in studio è “arte.”Ho anche cercato di concentrarmi sul significato dei suoi tentativi di mantenere la posa “contrapposto” associata alla scultura classica e rinascimentale mentre navigavo in un lungo e stretto corridoio. Non riesco ancora a decidere se sono stato più sopraffatto dall’indifferenza o dall’irritazione o da una miscela che induce mal di testa di entrambi. Ha fatto il mio cervello ha colpito snooze. # SorryNotSorry.

—Eileen Kinsella

Takashi Murakami, Incarnazione di Una (2014), presso la Galleria d’Arte di Vancouver

Takashi Murakami, Incarnazione di Una (2014)

Takashi Murakami, Incarnazione di Una (2014). Foto: Ben Davis

Questo è abbastanza semplice. Tutto quello che dovete fare è scorrere verso l’alto e dare un’occhiata a questo colosso dinky da Takashi Murakami per vedere perché si qualifica come uno dei peggiori lavori che abbiamo visto tutto l’anno. Certo, è stato un salto per l’artista passare dalla sua estetica twee a qualcosa di così sfacciatamente grottesco (come ha sottolineato il nostro Ben Davis). Ma questa bestia ingombrante è dieci passi troppo lontano. Non ha aiutato che l’enorme scultura fosse circondata alla Vancouver Art Gallery da colossali e miserabili dipinti di vecchi grumosi. Davvero uno spettacolo macabro.

—Pac Pobric

Restaurata del 15 ° Secolo Vergine Maria, Chiesa di El Ranadoiro, Asturias, Spagna

A sinistra, il 15 ° secolo, la statua della Vergine Maria, prima di essere “restaurato” (a destra) da una donna locale, nelle Asturie, Spagna. Foto DSF/AFP/Getty Images.

Quest’anno ci ha dato non uno, ma due restauri spettacolare pasticciato nella vena del leggendario “Bestia Gesù.”Uno era una scultura del 16 ° secolo di San Giorgio in Navarra, Spagna, che è stato ridipinto da un insegnante d’arte locale a guardare come un personaggio in un film Pixar. L’altra era una scultura in legno del xv secolo di Maria, Sant’Anna e Gesù bambino nelle Asturie, in Spagna, che un proprietario di un negozio di antiquariato locale ridipinse al neon, facendolo sembrare più uno gnomo da prato che un oggetto sacro. (Ognuna di queste calamità, per qualche motivo, sembra accadere in Spagna.) Tra i due, è stato difficile scegliere il meglio del peggio, ma il lavoro di pittura DayGlo del proprietario del negozio su una scultura in legno che non ha mai avuto alcuna vernice per cominciare prende la torta. La mia parte preferita era la sua spiegazione di fatto:” Non sono un pittore professionista, ma mi è sempre piaciuto dipingere e le statue avevano davvero bisogno di dipingere”, ha detto a El Comercio. “Li ho dipinti come meglio potevo usando quelli che pensavo fossero i colori giusti.”

Aggiungerò un avvertimento qui, però: Dicono che non dovresti giudicare l’arte che non hai visto in prima persona, e l’ho visto solo in foto. Forse sembra molto più sottile di persona.

—Julia Halperin

Picasso, Fillette a la corbeille fleurie (1905) da Christie’s

Pablo Picasso Fillette a la corbeille fleurie (1905). Foto: per gentile concessione di Christie’s.

Sto imbrogliando perché non l’ho visto nella vita reale, ma l’ho visto molto ovunque. Il ritratto di Picasso del 1905 di una ragazza appena pubescente e impoverita, in piedi nuda di lato per mostrare la sua piccola figura e l’apparente mancanza di seni, mi fa schifo. Formalmente parlando, non è cattiva arte; Picasso è un pittore virtuosistico. Ma lascia un cattivo sapore in bocca che questo dipinto potrebbe vendere per million 115 milioni da Christie’s, cosa che ha fatto a maggio, con poca o nessuna menzione delle preoccupanti relazioni di potere che potrebbero essere state in gioco tra la cosiddetta “Linda” (che era nota per essere una venditrice di fiori e una prostituta di bambini) e un Picasso di 24 anni. È il 2018 (quasi il 2019!), eppure, almeno sul mercato, lo sguardo maschile continua ad essere valorizzato attraverso l’accumulazione.

—Kate Brown

Ovvio, Ritratto di Edmond de Belamy (2018) da Christie’s Londra Showroom

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𝒎𝒊𝒏 𝑮 𝒎𝒂𝒙 𝑫 𝔼𝒙 + 𝔼𝒛 , Ritratto di Edmond de Belamy, da La Famille de Belamy. Per gentile concessione Christie’s Images Ltd.

Quindi sono il primo ad ammettere che anche all’inizio sono stato preso dal concetto. Ho pensato che fosse davvero cool che un’intelligenza artificiale aveva creato un ritratto di un essere umano, e la mia mente stava esplodendo con le possibilità di tutto. Ma per il momento avevo letto di più sul livello di lavoro che è stato fatto altrove con AI—nel frattempo il trio dietro tutto hawked la stampa per Christie 432.500 a Christie’s—ero così fatto. Si scopre che la mano di Obvious nel realizzare il lavoro era piuttosto minima, e mentre accreditavano il lavoro all’algoritmo come parte delle loro tattiche di marketing esperte, probabilmente avrebbero dovuto accreditare Robbie Barrat, lo studente di 19 anni da cui hanno preso in prestito il codice per realizzare il pezzo in primo luogo.

—Naomi Rea

Ovvio, Ritratto di Edmond de Belamy (2018) presso lo showroom londinese di Christie’s

𝒎𝒊𝒏 𝑮 𝒎𝒂𝒙 𝑫 𝔼𝒙 + 𝔼𝒛 , Ritratto di Edmond de Belamy, da La Famille de Belamy. Per gentile concessione Christie's Images Ltd.'s Images Ltd.

𝒎𝒊𝒏 𝑮 𝒎𝒂𝒙 𝑫 𝔼𝒙 + 𝔼𝒛 , Ritratto di Edmond de Belamy, da La Famille de Belamy. Per gentile concessione Christie’s Images Ltd.

Come Kate con la sua selezione, sto piegando un po ‘ le regole perché non l’ho visto di persona. Inoltre, normalmente non sceglierei lo stesso lavoro di qualcun altro nello staff, e Naomi ha ottenuto la sua padella in questo post prima di me. Ma sto facendo un’eccezione a entrambi perché A) vedere una stampa digitale di persona non cambierà la mia opinione a riguardo, e B) c’è qualcosa di molto più grande qui che sento di dover affrontare.

Ci sono molte valide ragioni per concludere che Il Ritratto di Edmond de Belamy, erroneamente indicato come “il primo pezzo di arte generata dall’IA a venire all’asta”, è l’equivalente estetico di qualcosa che un idraulico normalmente deve essere pagato per uscire da un bagno intasato. Ma forse nulla incapsula il mio disgusto con il pezzo in modo pulito come la differenza tra il modo in cui Naomi e io abbiamo elencato il lavoro nell’intestazione rispetto al modo in cui ovvio ha convinto Christie a elencarlo quando la casa ha venduto il ritratto questo ottobre.

Come menzionato da Naomi, i tre membri di Obvious sostengono che l’algoritmo (open-source, minimamente ottimizzato) utilizzato per produrre l’immagine dovrebbe essere accreditato come “artista.”Ma accettare questa idea significa avanzare ulteriormente l’idea sbagliata più pericolosa e più diffusa sulla tecnologia di intelligenza artificiale oggi. Per definizione, un algoritmo è un insieme di istruzioni per l’esecuzione di un’attività. Le istruzioni sono scritte dagli esseri umani-e, più precisamente, esseri umani specifici con obiettivi specifici, tendenze, punti ciechi e pregiudizi. Non importa chi merita il massimo credito per l’algoritmo finale Ovvio utilizzato, Ovvio ha la totale responsabilità per il set di dati che ha inserito nell’algoritmo. E qui, le scelte del gruppo hanno portato a qualcosa di dolorosamente regressivo: tre giovani ragazzi bianchi che insegnano letteralmente software che “arte” significa ” ritratti di anziani, aristocratici bianchi.”E peggio di tutto, il mondo dell’arte legacy è andato banane su di esso.

Quindi sarebbe stato abbastanza brutto che il ritratto di Edmond de Belamy abbia tutto il rigore concettuale di tre matricole del college che hanno appena fumato il loro primo giunto. (“Amico, immagina, tipo, vecchi ritratti fantasiosi, tranne che sono fatti da un fottuto computer!”) Ovvio ha peggiorato le cose prendendo la tecnologia che potrebbe e dovrebbe essere usata per inaugurare un futuro migliore e invece indirizzandola centinaia di anni in un passato che noi come cultura abbiamo almeno iniziato ad evolverci oltre. Ma il mondo dell’arte in generale ha portato questo imbarazzo a un crescendo trattando il lavoro e il gruppo dietro di esso come i portatori di una presunta nuova forma d’arte. L’intero episodio è stato come guardare qualcuno ottenere il potere di teletrasportarsi su altri pianeti abitabili, quindi arricchirsi vendendo biglietti per un mondo in cui non è ancora illegale cacciare aquile calve. E per questo, Ritratto di Edmond de Belamy merita di vivere nell’infamia.

—Tim Schneider

Teatro del Mondo, Huang Yong Ping (1993) al Solomon R. Museo Guggenheim, New York

Huang Yong Ping, emTheater of the World / em (1993). Foto di Sarah Cascone.

Huang Yong Ping, Teatro del Mondo (1993). Foto di Sarah Cascone.

Forse è ingiusto giudicare un’opera d’arte basata sul circo mediatico che la circonda, ma quando i curatori del Guggenheim si sono piegati alle minacce e hanno accettato di non includere animali vivi nel Teatro del Mondo di Huang Yong Ping per la mostra ” Art and China after 1989: Theatre of the World, ” quella controversia divenne inevitabilmente parte integrante di come il pubblico ha vissuto il pezzo.

Theater of the World doveva includere animali vivi—è stato concepito come una scultura in gabbia piena di insetti vivi, anfibi e rettili. Durante lo spettacolo, la natura doveva fare il suo corso, alcuni animali che combattevano, altri che servivano da cibo. Sono certamente con tutto il cuore contro la crudeltà sugli animali, ma non sono convinto che gli animali avrebbero sofferto più del tuo animale domestico in gabbia che veniva nutrito con grilli e insetti vivi.

Ma quando PETA ne è venuto a conoscenza, insieme ad altre due opere legate agli animali destinate a essere in mostra, hanno chiesto la sua rimozione dalla mostra, e un Change.org la petizione di denuncia delle opere ha ricevuto oltre 800.000 firme. Il Guggenheim piegato sotto la pressione, e il Teatro del mondo è andato in vista senza gli animali.

Quando ho visto lo spettacolo all’inizio di gennaio, poco prima che chiudesse, tutto quello che potevo vedere nel lavoro era una gabbia vuota: un simbolo di censura, correttezza politica e la natura reazionaria dell’indignazione online. Era un brutto ricordo del crescente numero di controversie museali e del senso di diritto che vedo nei sostenitori più estremi degli avvertimenti di trigger. Non è colpa dell’artista, ma quando penso a Theater of the World, penso ai mali della censura, e a come stanno minacciando il mondo dell’arte in modo crescente.

—Sarah Cascone

Banksy, Love Is in the Bin (2018)

Gli spettatori sorpresi reagiscono mentre la ragazza di Banksy con un palloncino si autodistrugge da Sotheby's.'s Girl With a Balloon self-destructs at Sotheby's.

Gli spettatori sorpresi reagiscono mentre Banksy’s Girl With a Balloon si autodistrugge da Sotheby’s.

Cerchiamo di essere chiari, Banksy’s Girl With Balloon era un’opera d’arte terribile prima di essere sminuzzata alla vendita di arte contemporanea di Sotheby’s a Londra in ottobre. Non pensavo fosse possibile peggiorare le cose. Il contenuto tematico era troppo ovvio, una ragazza lascia andare il palloncino a forma di cuore. Cosa potrebbe rappresentare questa metafora? Poi Banksy (o qualcun altro) tagliuzzato in una vendita serale subito dopo che è stato martellato giù per £1 milione ($1.4 milioni) in una trovata pubblicitaria sensazionalista, e il mondo è impazzito. Sotheby’s ha insistito che non sapevano nulla dei piani, ma chiunque con conoscenza delle aste d’arte sa che nessuno specialista avrebbe inviato un’opera d’arte al blocco d’asta a quel punto di prezzo senza ispezionare prima ogni centimetro di esso. La triturazione stessa era un’altra allusione all-evidente alla commercializzazione dell’arte. All’indomani della bravata Banksy ha detto sui social media che aveva intenzione di distruggere l’intero lavoro, ma il trituratore ha funzionato male. Se solo avesse funzionato.

—Henri Neuendorf

Marina Abramović, 5 Stages of Maya Dance (2018)

Marina Abramović, i5 Stages of Maya Dance / i (2018), presso Masterpiece London.

Marina Abramović, 5 Stages of Maya Dance (2018), a Masterpiece London.

Anche i più grandi artisti di durata hanno i loro giorni liberi, e mi duole dire che l’installazione teatrale over-the-top di Marina Abramović all’ingresso del Masterpiece London art fair questa estate è stata la peggiore presentazione che ho visto tutto l’anno. Individualmente, i cinque autoritratti in rilievo in alabastro potrebbero aver trasmesso qualcosa della presenza carismatica dell’artista. Ma come un’esperienza illuminata a macchia d’olio in uno spazio buio, lo stand Factum Arte/Lisson Gallery sembrava più Madame Tussauds che un’opera d’arte da prendere sul serio. Come un viaggio attraverso la sua celebrità, 5 Fasi della danza Maya è stato il momento di Gloria Swanson di Abramović: congelato, pronto per il suo primo piano, per l’eternità. Era Sunset Boulevard-e non in senso buono.

—Javier Pes

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