9 des Pires Œuvres d’Art Absolues de 2018, choisies par le Personnel d’artnet News

La Machine à Rêves.
La Machine de rêve. Photo de Ben Davis.

Parfois, nous, professionnels de l’art, rencontrons une œuvre si profonde, si palpitante, si belle à l’ancienne qu’elle reste affectueusement dans la mémoire pendant des années à venir. D’autres fois, on regarde quelque chose et on se dit : ” Whoa that ça pue.” Genre, grand temps. Pour les écrivains, c’est comme un cadeau du ciel, car vous ne pouvez pas vraiment écrire une prose drôle, mordante et acidulée sur le bon art, et c’est amusant. Ici, lisez un éventail de membres du personnel habituellement heureux d’artnet News sur les ratés les plus ratés de 2018.

La Machine à rêves, Brooklyn

Une revue de coupe!

Une revue de coupe!

J’ai déjà examiné cette attraction boiteuse basée à Brooklyn au milieu de l’année, alors peut-être que je bat un cheval mort — ou un piège Instagram mort, pour être précis. (En octobre, il a été rebaptisé Nightmare Machine, une maison hantée instagrammable). Mais juste pour être clair: ce n’est pas que je déteste la tendance de l’environnement Instagram qui a surgi partout. J’ai fait un tour dans l’usine de couleurs de SoHo et je l’ai trouvé relativement bien fait, même créatif; en général, j’irais jusqu’à affirmer que nous devrions mieux prendre cet engouement au sérieux pour ce qu’il représente socialement. Je ne pense pas que la Machine à rêves elle-même se soit prise très au sérieux. Il n’a rendu que le service le plus fin à son propre thème “dream” au profit du recyclage d’un tas d’idées qui sont déjà devenues des clichés dans d’autres environnements pièges Instagram (ball pits! chambres miroir! bonbons gratuits!), rappelant à quel point cette tendance peut et va devenir cynique et fatigante avant que la nouveauté ne s’épuise.

— Ben Davis

Bruce Naumann, Marche avec Contrapposto (1968) au MoMA PS1

Je comprends. Je comprends. C’est une œuvre conceptuelle reflétant la conviction de l’artiste que tout ce qu’il a décidé de faire en studio est “de l’art.”J’ai même essayé de me concentrer sur l’importance de ses tentatives de maintenir la pose “contrapposto” associée à la sculpture classique et de la Renaissance tout en naviguant dans un long couloir étroit. Je ne peux toujours pas décider si j’étais plus submergé par l’indifférence ou l’irritation ou un mélange des deux provoquant des maux de tête. Ça m’a fait dormir le cerveau. #SorryNotSorry.

— Eileen Kinsella

Takashi Murakami, Incarnation d’un (2014) à la Galerie d’art de Vancouver

Takashi Murakami, Incarnation d'Un (2014)

Takashi Murakami, Incarnation d’un (2014). Photo: Ben Davis

C’est assez simple. Tout ce que vous avez à faire est de faire défiler vers le haut et de jeter un coup d’œil à ce gigantesque mastodonte de Takashi Murakami pour voir pourquoi il est considéré comme l’une des pires œuvres que nous ayons vues toute l’année. Bien sûr, ce fut un saut pour l’artiste de passer de son esthétique twee à quelque chose d’aussi effrontément grotesque (comme l’a souligné notre propre Ben Davis). Mais cette bête forestière est à dix pas de trop. Cela n’a pas aidé que l’énorme sculpture soit entourée à la Vancouver Art Gallery de peintures colossales et misérables de vieillards grumeleux. Vraiment un spectacle macabre.

— Pac Pobric

Vierge Marie du XVe siècle restaurée, Église d’El Ranadoiro, Asturies, Espagne

À gauche, la statue de la Vierge Marie du XVe siècle avant d’être “restaurée” (à droite) par une habitante des Asturies, en Espagne. Photo DSF / AFP / Getty Images.

Cette année nous a donné non pas une mais deux restaurations spectaculairement bâclées dans la veine du légendaire “Beast Jesus.”L’une était une sculpture de saint Georges du XVIe siècle en Navarre, en Espagne, qui a été repeinte par un professeur d’art local pour ressembler à un personnage d’un film de Pixar. L’autre était une sculpture sur bois du 15ème siècle de Marie, Sainte Anne et l’enfant Jésus dans les Asturies, en Espagne, qu’un propriétaire d’antiquaire local a repeinte au néon, la faisant ressembler plus à un gnome de pelouse qu’à un objet sacré. (Chacune de ces calamités, pour une raison quelconque, semble se produire en Espagne.) Entre les deux, il était difficile de choisir le meilleur du pire, mais le travail de peinture DayGlo du propriétaire du magasin sur une sculpture en bois qui n’avait jamais de peinture au départ prend le gâteau. Ma partie préférée était son explication de fait: “Je ne suis pas une peintre professionnelle, mais j’ai toujours aimé peindre et les statues avaient vraiment besoin de peindre”, a-t-elle déclaré à El Comercio. “Je les ai peints du mieux que je pouvais en utilisant ce que je pensais être les bonnes couleurs.”

Je vais ajouter une mise en garde ici, cependant: Ils disent que vous ne devriez pas juger de l’art que vous n’avez pas vu de première main, et je n’ai vu cela qu’en images. Peut-être que ça a l’air beaucoup plus subtil en personne.

— Julia Halperin

Picasso, Fillette à la corbeille fleurie (1905) chez Christie’s

Pablo Picasso Fillette à la corbeille fleurie (1905). Photo: gracieuseté de Christie’s.

Je triche parce que je n’ai pas vu ça dans la vraie vie, mais je l’ai vu beaucoup partout ailleurs. Le portrait de Picasso en 1905 d’une fille à peine pubère et appauvrie, debout nue sur le côté pour mettre en valeur sa petite silhouette et son manque apparent de seins, me dégoûte. Formellement parlant, ce n’est pas du mauvais art; Picasso est un peintre virtuose. Mais cela laisse un mauvais goût dans ma bouche que ce tableau puisse se vendre 115 millions de dollars chez Christie’s, ce qu’il a fait en mai, avec peu ou pas de mention des relations de pouvoir troublantes qui ont pu se jouer entre la soi-disant “Linda” (qui était connue pour être une vendeuse de fleurs et une enfant prostituée) et un Picasso de 24 ans. Nous sommes en 2018 (presque 2019!), et pourtant, sur le marché du moins, le regard masculin continue d’être valorisé par l’accumulation.

— Kate Brown

Obvious, Portrait d’Edmond de Belamy (2018) au showroom de Christie’s à Londres

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𝒎𝒊𝒏 𝑮 𝒎𝒂𝒙 𝑫 𝔼𝒙 + 𝔼𝒛 , Portrait d’Edmond de Belamy, d’après La Famille de Belamy. Avec l’aimable autorisation de Christie’s Images Ltd.

Je suis donc le premier à admettre que j’ai aussi été pris par le concept au début. Je pensais que c’était vraiment cool qu’une intelligence artificielle ait créé un portrait d’un humain, et mon esprit explosait avec les possibilités de tout cela. Mais au moment où j’en avais lu plus sur le niveau de travail qui se faisait ailleurs avec AI — pendant ce temps, le trio derrière tout cela a vendu l’impression pour 432 500 at chez Christie’s — j’avais fini. Il s’avère que la main d’Obvious dans la réalisation du travail était assez minime, et bien qu’ils aient crédité le travail à l’algorithme dans le cadre de leurs tactiques de marketing astucieuses, ils auraient probablement dû créditer Robbie Barrat, l’étudiant de 19 ans auquel ils ont emprunté le code pour faire la pièce en premier lieu.

— Naomi Rea

Obvious, Portrait d’Edmond de Belamy (2018) au showroom de Christie’s à Londres

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𝒎𝒊𝒏 𝑮 𝒎𝒂𝒙 𝑫 𝔼𝒙 + 𝔼𝒛 , Portrait d’Edmond de Belamy, d’après La Famille de Belamy. Avec l’aimable autorisation de Christie’s Images Ltd.

Comme Kate avec sa sélection, je suis un peu en train de plier les règles parce que je n’ai pas vu cela en personne. Je ne choisirais pas non plus normalement le même travail que quelqu’un d’autre dans le personnel, et Naomi a eu son pan dans ce post avant que je le fasse. Mais je fais une exception aux deux parce que A) voir une impression numérique en personne ne changera pas mon opinion à ce sujet, et B) il y a quelque chose de beaucoup plus grand ici que je sens que je dois aborder.

Il existe de nombreuses raisons valables de conclure que le Portrait d’Edmond de Belamy, présenté à tort comme “la première œuvre d’art générée par l’IA à être vendue aux enchères”, est l’équivalent esthétique de quelque chose qu’un plombier doit normalement payer pour sortir d’une toilette bouchée. Mais peut-être que rien ne résume mon dégoût de la pièce aussi proprement que la différence entre la façon dont Naomi et moi avons répertorié l’œuvre dans l’en-tête par rapport à la manière évidente qui a convaincu Christie’s de l’énumérer lorsque la maison a vendu le portrait en octobre.

Comme l’a mentionné Naomi, les trois membres d’Obvious soutiennent que l’algorithme (open-source, légèrement modifié) utilisé pour produire l’image devrait être crédité comme “l’artiste.”Mais accepter cette idée signifie faire progresser l’idée fausse la plus dangereuse et la plus répandue sur la technologie de l’intelligence artificielle aujourd’hui. Par définition, un algorithme est un ensemble d’instructions pour l’exécution d’une tâche. Les instructions sont écrites par des humains — et, plus précisément, des humains spécifiques avec des objectifs, des tendances, des angles morts et des préjugés spécifiques. Peu importe qui mérite le crédit ultime pour l’algorithme final utilisé par Obvious, Obvious porte la responsabilité totale de l’ensemble de données qu’il a introduit dans l’algorithme. Et ici, les choix du groupe ont abouti à quelque chose de douloureusement régressif: trois jeunes blancs enseignent littéralement à un logiciel que “art” signifie “portraits de blancs plus âgés et aristocratiques.”Et le pire de tout, le monde de l’art hérité s’en est pris à lui.

Il aurait donc été assez dommage que Portrait d’Edmond de Belamy ait toute la rigueur conceptuelle de trois étudiants de première année qui viennent de fumer leur premier joint. (“Mec, imagine, genre, de vieux portraits fantaisistes, sauf qu’ils sont faits par un putain d’ordinateur!”) Évident a aggravé les choses en prenant la technologie qui pourrait et devrait être utilisée pour inaugurer un avenir meilleur et en la dirigeant plutôt des centaines d’années dans un passé que nous, en tant que culture, avons au moins commencé à évoluer au-delà. Mais le monde de l’art dans son ensemble a porté cet embarras à un crescendo en traitant l’œuvre et le groupe derrière elle comme les porte-étendards d’une prétendue nouvelle forme d’art. Tout l’épisode était comme regarder quelqu’un gagner le pouvoir de se téléporter vers d’autres planètes habitables, puis devenir riche en vendant des billets vers un monde où il n’est pas encore illégal de chasser les pygargues à tête blanche. Et pour cela, Portrait d’Edmond de Belamy mérite de vivre dans l’infamie.

— Tim Schneider

Théâtre du Monde, Huang Yong Ping (1993) au Solomon R. Musée Guggenheim, New York

Huang Yong Ping, emTheater of the World /em (1993). Photo de Sarah Cascone.

Huang Yong Ping, Théâtre du Monde (1993). Photo de Sarah Cascone.

Il est peut-être injuste de juger une œuvre d’art en fonction du cirque médiatique qui l’entoure, mais lorsque les conservateurs du Guggenheim se sont inclinés devant les menaces et ont accepté de ne pas inclure d’animaux vivants dans le Théâtre du Monde de Huang Yong Ping pour l’exposition “Art et Chine après 1989: Théâtre du monde “, cette controverse est inévitablement devenue une partie intégrante de la façon dont le public a vécu la pièce.

Le Théâtre du Monde était censé inclure des animaux vivants — il a été conçu comme une sculpture en cage remplie d’insectes vivants, d’amphibiens et de reptiles. Tout au long du spectacle, la nature devait suivre son cours, certains animaux se battant, d’autres servant de nourriture. Je suis certainement de tout cœur contre la cruauté envers les animaux, mais je ne suis pas convaincu que les animaux auraient souffert plus que votre animal de compagnie en cage moyen nourri de grillons et d’insectes vivants.

Mais lorsque PETA en a eu vent, ainsi que deux autres œuvres liées aux animaux censées figurer dans l’exposition, ils ont demandé son retrait de l’exposition, et un Change.org la pétition dénonçant les œuvres a recueilli plus de 800 000 signatures. Le Guggenheim s’est plié sous la pression et le Théâtre du Monde a été vu sans les animaux.

Au moment où j’ai vu le spectacle début janvier, peu avant sa fermeture, tout ce que je pouvais voir dans l’œuvre était une cage vide: un symbole de censure, de rectitude politique et de la nature réactionnaire de l’indignation en ligne. C’était un vilain rappel du nombre croissant de controverses sur les musées et du sentiment de droit que je vois chez les défenseurs les plus extrêmes des avertissements de déclenchement. Ce n’est pas la faute de l’artiste, mais quand je pense au Théâtre du Monde, je pense aux maux de la censure, et à la façon dont ils menacent de plus en plus le monde de l’art.

— Sarah Cascone

Banksy, L’amour est dans la poubelle (2018)

Les spectateurs surpris réagissent alors que la Fille de Banksy Avec un Ballon s'autodétruit chez Sotheby's.'s Girl With a Balloon self-destructs at Sotheby's.

Les spectateurs surpris réagissent alors que la Fille avec un ballon de Banksy s’autodétruit chez Sotheby’s.

Soyons clairs, la Fille avec un ballon de Banksy était une œuvre terrible avant qu’elle ne soit déchiquetée lors de la vente d’Art contemporain de Sotheby’s à Londres en octobre. Je ne pensais pas qu’il était possible d’empirer les choses. Le contenu thématique était beaucoup trop évident, une jeune fille lâche un ballon en forme de cœur. Que pourrait représenter cette métaphore ? Puis Banksy (ou quelqu’un d’autre) l’a déchiqueté lors d’une vente en soirée juste après qu’il a été martelé pour 1 million de £ (1$.4 millions) dans un coup de publicité sensationnaliste, et le monde est devenu fou. Sotheby’s a insisté sur le fait qu’ils ne savaient rien des plans, mais toute personne connaissant les ventes aux enchères d’art sait qu’aucun spécialiste n’enverrait une œuvre d’art au bloc des ventes aux enchères à ce prix sans en inspecter chaque centimètre au préalable. Le déchiquetage lui-même était une autre allusion évidente à la commercialisation de l’art. À la suite de la cascade, Banksy a déclaré sur les réseaux sociaux qu’il avait l’intention de déchiqueter l’ensemble du travail, mais le déchiqueteur a mal fonctionné. Si seulement ça avait marché.

— Henri Neuendorf

Marina Abramović, 5 Étapes de Danse Maya (2018)

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Marina Abramović, 5 Étapes de la Danse Maya (2018), au Masterpiece London.

Même les plus grands artistes de longue durée ont leurs jours de congé, et cela me fait mal de dire que l’installation théâtrale over-the-top de Marina Abramović à l’entrée du Masterpiece London art fair cet été a été la pire présentation que j’ai vue toute l’année. Individuellement, les cinq autoportraits en relief en albâtre auraient pu transmettre quelque chose de la présence charismatique de l’artiste. Mais en tant qu’expérience de promenade éclairée dans un espace sombre, le stand de la Galerie Factum Arte / Lisson ressemblait plus à Madame Tussauds qu’à une œuvre d’art à prendre au sérieux. Comme un voyage à travers sa célébrité, 5 Étapes de la Danse Maya était le moment Gloria Swanson d’Abramović: figée, prête pour son gros plan, pour l’éternité. C’était Sunset Boulevard — et pas dans le bon sens.

— Javier Pes

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