9 af de absolut værste kunstværker i 2018, som valgt af artnet-Nyhedsmedarbejderne

Drømmemaskinen.
Drømmemaskinen. Foto af Ben Davis.

Nogle gange støder vi kunstfagfolk på et kunstværk, der er så dybtgående, så spændende, så gammeldags smukt, at det dvæler kærligt i hukommelsen i de kommende år. Andre gange ser vi på noget og tænker: “hvem… det stinker.”Ligesom, big-time. For forfattere er dette som en gave fra himlen, fordi du ikke rigtig kan skrive sjov, bidende, sur prosa om god kunst, og det er sjovt. Her kan du læse en række artnet-nyheder, der normalt er happy-go-lucky staff vent om de floppiest duds i 2018.

Drømmemaskinen, Brooklyn

en skæreanmeldelse!

en skæreanmeldelse!

Jeg har allerede gennemgået denne halte Brooklyn-baserede attraktion i midten af året, så måske slår jeg en død hest—eller en død Instagram-fælde, for at være præcis. (I oktober blev det omdøbt som Nightmare Machine, Et Instagrammabelt hjemsøgt hus). Men bare for at være klar: det er ikke, at jeg bare hader Instagram-miljøtendensen, der er dukket op overalt. Jeg tog et spin gennem Farvefabrikken i SoHo og fandt, at det var relativt godt klaret, endda kreativt; generelt ville jeg gå så langt som at argumentere for, at vi skulle gøre et bedre stykke arbejde med at tage denne dille alvorligt for det, den repræsenterer socialt. Jeg tror bare ikke, at Drømmemaskinen selv tog sig selv meget alvorligt. Det betalte kun den tyndeste service til sit eget “drøm” – tema til fordel for genbrug af en masse ideer, der allerede er blevet klicheer i andre Instagram-Fældemiljøer (kuglegrave! spejl værelser! gratis slik!), der tjener som en Instgrammerbar påmindelse om, hvor kynisk og trættende denne tendens kan og vil komme, før nyheden udtømmer sig selv.

—Ben Davis

Bruce Naumann, gå med Contrapposto (1968) på MoMA PS1

Jeg får det. Jeg forstår. Det er et konceptuelt værk, der afspejler kunstnerens tro på, at uanset hvad han besluttede at gøre i studiet, er “kunst.”Jeg forsøgte endda at fokusere på betydningen af hans forsøg på at opretholde “contrapposto” – stillingen forbundet med klassisk skulptur og Renæssanceskulptur, mens jeg navigerede i en lang smal korridor. Jeg kan stadig ikke afgøre, om jeg var mere overvældet af ligegyldighed eller irritation eller en hovedpine-inducerende blanding af begge. Det fik min hjerne til at blive udsat. # SorryNotSorry.

—Eileen Kinsella

Takashi Murakami, udførelsesform for A (2014) på Vancouver Art Gallery

Takashi Murakami, udførelsesform for A (2014)

Takashi Murakami, udførelsesform for a (2014). Foto: Ben Davis

Dette er ret simpelt. Alt hvad du skal gøre er at rulle op og se på denne dinky behemoth af Takashi Murakami for at se, hvorfor det kvalificerer sig som et af de værste værker, vi så hele året. Sikker på, det var et spring for kunstneren at gå fra hans to æstetiske til noget så voldsomt grotesk (som vores helt egen Ben Davis har påpeget). Men dette klodsede dyr er ti trin for langt. Det hjalp ikke, at den enorme skulptur blev omgivet på Vancouver Art Gallery af kolossale og elendige malerier af klumpede gamle mænd. Virkelig et uhyggeligt syn.

—Pac Pobric

gendannet Jomfru Maria fra det 15.århundrede, kirken El Ranadoiro, Asturias, Spanien

til venstre, statuen af Jomfru Maria fra det 15. århundrede, før den blev “gendannet” (til højre) af en lokal kvinde i Asturien, Spanien. Foto DSF / AFP / Getty Images.

i år gav os ikke en, men to spektakulært botched restaureringer i venen af den legendariske “Beast Jesus.”Den ene var en skulptur fra det 16.århundrede af Saint George i Navarra, Spanien, der blev malet igen af en lokal kunstlærer for at ligne en karakter i en billedfilm. Den anden var en træskæring fra det 15.århundrede af Mary, Saint Anne, og Baby Jesus i Asturias, Spanien, at en lokal antikbutiksejer malet i neon, hvilket får det til at ligne mere en græsplæne end en hellig genstand. (Hver eneste af disse ulykker synes af en eller anden grund at ske i Spanien.) Mellem de to var det svært at vælge det bedste af det værste, men butiksejerens dayglo-malingsjob på en træskulptur, der aldrig havde nogen maling til at begynde med, tager kagen. Min yndlingsdel var hendes faktiske forklaring:” jeg er ikke en professionel maler, men jeg har altid ønsket at male, og statuerne havde virkelig brug for maleri, ” fortalte hun El Comercio. “Jeg malede dem så godt jeg kunne bruge, hvad jeg troede var de rigtige farver.”

Jeg vil tilføje en advarsel her, selvom: De siger, at du ikke skal dømme kunst, du ikke har set førstehånds, og jeg har kun set dette på billeder. Måske ser det meget subtilere ud personligt.

—Julia Halperin

Picasso, Fillette a la corbeille fleurie (1905) hos Christie ‘ s

Pablo Picasso Fillette a la corbeille fleurie (1905). Foto: høflighed af Christie ‘ s.

jeg snyder, fordi jeg ikke så dette i det virkelige liv, men jeg så det meget overalt ellers. Picassos portræt fra 1905 af en knap pubescent og fattig pige, der står nøgen til siden for at fremvise sin lille figur og tilsyneladende mangel på bryster, grosses me out. Formelt set er det ikke dårlig kunst; Picasso er en virtuosisk maler. Men det efterlader en dårlig smag i min mund, at dette maleri kunne sælge for 115 millioner dollars hos Christie ‘ s, hvilket det gjorde i Maj, med ringe eller ingen omtale af de bekymrende magtforhold, der måtte have været i spil mellem den såkaldte “Linda” (som var kendt for at være en blomstersælger og en børneprostitueret) og en 24-årig Picasso. Det er 2018 (næsten 2019!), og alligevel, i det mindste på markedet, fortsætter det mandlige blik med at blive værdsat gennem akkumulering.

– Kate brun

indlysende, portræt af Edmond de Belamy (2018) på Christies London udstilling

𝒎𝒊𝒏 𝑮 𝒎𝒂𝒙 𝑫 𝔼𝒙 + 𝔼𝒛 , portræt af Edmond de Belamy, fra La Famille de Belamy. Hilsen Christie ' s Images Ltd.'s Images Ltd.

𝒎𝒊𝒏 𝑮 𝒎𝒂𝒙 𝑫 𝔼𝒙 + 𝔼𝒛 , portræt af Edmond de Belamy, fra La Famille de Belamy. Hilsen Christie ‘ s Images Ltd.

så jeg er den første til at indrømme, at jeg også blev taget ind af konceptet. Jeg syntes, det var virkelig sejt, at en kunstig intelligens havde skabt et portræt af et menneske, og mit sind eksploderede med mulighederne for det hele. Men da jeg havde læst mere om niveauet af arbejde, der blev gjort andetsteds med AI—i mellemtiden trioen bag det hele høgede trykket for $432.500 hos Christie ‘ s—var jeg så færdig. Det viser sig, at Obvious hånd i at gøre arbejdet var temmelig minimal, og mens de krediterede arbejdet til algoritmen som en del af deres kyndige marketing taktik, burde de nok have krediteret Robbie Barrat, den 19-årige studerende, de lånte koden fra for at gøre stykket i første omgang.

– Naomi Rea

indlysende, portræt af Edmond de Belamy (2018) på Christies London udstillingslokale

𝒎𝒊𝒏 𝑮 𝒎𝒂𝒙 𝑫 𝔼𝒙 + 𝔼𝒛 , portræt af Edmond de Belamy, fra La Famille de Belamy. Hilsen Christie ' s Images Ltd.'s Images Ltd.

𝒎𝒊𝒏 𝑮 𝒎𝒂𝒙 𝑫 𝔼𝒙 + 𝔼𝒛 , portræt af Edmond de Belamy, fra La Famille de Belamy. Hilsen Christie ‘ s Images Ltd.

ligesom Kate med hendes valg bøjer jeg reglerne lidt, fordi jeg ikke så det personligt. Jeg ville heller ikke normalt vælge det samme arbejde som en anden på personalet, og Naomi fik sin Pande ind i dette indlæg, før jeg gjorde det. Men jeg gør en undtagelse til begge, fordi A) at se et digitalt output print personligt ikke vil ændre min mening om det, og B) der er noget meget større her, som jeg har lyst til at tage fat på.

Der er mange gyldige grunde til at konkludere, at Portræt af Edmond de Belamy, vildledende faktureret som “det første stykke AI-genereret kunst, der kommer på auktion,” er det æstetiske ækvivalent med noget, som en blikkenslager normalt skal betales for at snake ud af et tilstoppet toilet. Men måske indkapsler intet min afsky med stykket så rent som forskellen mellem, hvordan Naomi og jeg har opført værket i overskriften versus den måde, som åbenlyst overbeviste Christie om at liste det, da huset solgte portrættet i Oktober.

som Naomi nævnte, hævder de tre medlemmer af Obvious, at den (open source, minimalt finjusterede) algoritme, der bruges til at udsende billedet, skal krediteres som “kunstneren.”Men at acceptere denne ide betyder yderligere at fremme den mest farlige og mest udbredte misforståelse om kunstig intelligens teknologi i dag. Per definition er en algoritme et sæt instruktioner til udførelsen af en opgave. Instruktioner er skrevet af mennesker—og, mere til det punkt, specifikke mennesker med specifikke mål, tendenser, blinde pletter, og fordomme. Uanset hvem der fortjener ultimativ kredit for den endelige algoritme, der er åbenlyst, bærer indlysende det samlede ansvar for det datasæt, det føres ind i algoritmen. Og her, gruppens valg resulterede i noget smerteligt regressiv: tre unge hvide fyre bogstaveligt undervisning programmel, at “kunst” betyder “portrætter af ældre, aristokratiske hvide mennesker.”Og værst af alt gik den gamle kunstverden bananas over det.

så det ville have været dårligt nok, at Portræt af Edmond de Belamy har al den konceptuelle strenghed af tre college-førsteårsstuderende, der lige har røget deres første led. (“Dude, forestil dig, ligesom, fancy gamle portrætter, bortset fra at de er lavet af en fuckin’ computer!”) Åbenlyst gjorde tingene langt værre ved at tage teknologi, der kunne og burde bruges til at indlede en bedre fremtid og i stedet lede den hundreder af år ind i en fortid, som vi som kultur i det mindste er begyndt at udvikle sig ud over. Men kunstverdenen som helhed bragte denne forlegenhed til et crescendo ved at behandle værket og gruppen bag det som standardbærere af en påstået ny kunstform. Hele episoden var som at se nogen få magten til at teleportere til andre beboelige planeter og derefter blive rig ved at sælge billetter til en verden, hvor det ikke er ulovligt at jage skaldede ørne endnu. Og for det fortjener portræt af Edmond de Belamy at leve i skændsel.

—Tim Schneider

verdens teater, Huang Yong Ping (1993) ved Solomon R. Guggenheim Museum, Ny York

Huang Yong Ping, verdens emTheater/em (1993). Foto af Sarah Cascone. Huang Yong Ping, verdens teater (1993). Foto af Sarah Cascone.

måske er det uretfærdigt at bedømme et kunstværk baseret på mediecirkuset, der omgiver det, men da kuratorer på Guggenheim bøjede sig for trusler og blev enige om ikke at medtage levende dyr i Huang Yong Pings verdens teater til udstillingen ” Kunst og Kina efter 1989: Verdens teater, ” denne kontrovers blev uundgåeligt en del af, hvordan publikum oplevede stykket.

verdens teater skulle omfatte levende dyr-det blev opfattet som en burskulptur fuld af levende insekter, amfibier og krybdyr. Under hele forestillingen var naturen beregnet til at løbe sin kurs, nogle dyr kæmper, andre tjener som mad. Jeg er bestemt helhjertet imod dyremishandling, men jeg er ikke overbevist om, at dyrene ville have lidt mere end dit gennemsnitlige burede kæledyr, der blev fodret med levende crickets og bugs.

men da PETA fik vind af det sammen med to andre dyrerelaterede værker, der skulle være med i udstillingen, opfordrede de til, at den blev fjernet fra udstillingen, og en Change.org andragende, der fordømte kunstværkerne, modtog over 800.000 underskrifter. Guggenheim foldede sig under pres, og verdens teater blev set uden dyrene.

da jeg så forestillingen i begyndelsen af januar, kort før den lukkede, var alt, hvad jeg kunne se i værket, et tomt bur: et symbol på censur, politisk korrekthed og den reaktionære karakter af online forargelse. Det var en grim påmindelse om det stigende antal museumskontroverser, og den følelse af Ret, jeg ser i de mere ekstreme fortalere for triggeradvarsler. Det er ikke kunstnerens skyld, men når jeg tænker på verdens teater, tænker jeg på censurens ondskab, og hvordan de truer kunstverdenen i stigende grad.

—Sarah Cascone

Banksy, kærlighed er i skraldespanden (2018)

overraskede tilskuere reagerer, da Banksys pige med en ballon selvdestruerer ved Sotheby ' s.'s Girl With a Balloon self-destructs at Sotheby's.

overraskede tilskuere reagerer som Banksys pige med en ballon selvdestruerer på Sotheby ‘ s.

lad os være klare, Banksys pige med ballon var et forfærdeligt kunstværk, før det blev makuleret på Sothebys Samtidskunstsalg i London i Oktober. Jeg troede ikke, det var muligt at gøre det værre. Det tematiske indhold var alt for indlysende, en ung pige slipper hjerteformet ballon. Hvad kunne denne metafor muligvis repræsentere? Så Banksy (eller en anden) makuleret det i en aften salg lige efter det blev hamret ned for Lotte 1 million ($1.4 millioner) i et sensationelt reklamestunt, og verden blev skør. Sotheby ‘ s insisterede på, at de ikke vidste noget om planerne, men enhver med kendskab til kunstauktioner ved, at ingen specialist ville sende et kunstværk til auktionsblokken til det prispunkt uden at inspicere hver tomme af det først. Selve makuleringen var en anden alt-til-åbenlyst hentydning til kommercialiseringen af kunst. I kølvandet på stuntet sagde Banksy på sociale medier, at han havde til hensigt at makulere hele arbejdet, men shredderen fungerede ikke. Hvis bare det havde virket.

—Henri Neuendorf

Marina Abramovi-Dans, 5 stadier af Maya-Dans (2018)

Marina Abramovi-kar, i5 stadier af Maya-dans/i (2018), på Masterpiece London.

Marina Abramovi Kristus, 5 faser af Maya Dance (2018), på Masterpiece London.

selv de største varighedskunstnere har deres fridage, og det gør mig ondt at sige, at Marina Abramovi Krists over-the-top teaterinstallation ved indgangen til Masterpiece London art fair denne sommer var den værste præsentation, jeg så hele året. Individuelt kunne de fem alabaster relief selvportrætter have formidlet noget af kunstnerens karismatiske tilstedeværelse. Men som en spot-lit, gennemgangsoplevelse i et mørkt rum, så Factum Arte/Lisson Gallery booth mere Madame Tussauds end et kunstværk, der skulle tages alvorligt. Som en rejse gennem hendes berømthed, 5 stadier af Maya-dans var Abramovi prices Gloria Svanson-øjeblik: frosset, klar til hendes nærbillede, for evigheden. Det var Sunset Boulevard-og ikke på en god måde.

—Javier Pes

Følg Artnet nyheder på Facebook:

vil du være på forkant med kunstverdenen? Abonner på vores nyhedsbrev for at få de seneste nyheder, øjenåbnende samtaler, og skarpe kritiske tager, der driver samtalen fremad.

Skriv et svar

Din e-mailadresse vil ikke blive publiceret.